安蘭けい、濱田めぐみらが歌唱披露　ミュージカル『サンセット大通り』稽古場取材&音楽監督・指揮 塩田明弘インタビュー

ーーいよいよ『サンセット大通り』のお稽古が始まりましたね。音楽監督として今どんな作業をされているのか教えてください。

今の僕の仕事は、どのように歌いどのように演奏するのかということを演者や奏者に伝えること。ロイド=ウェバーの譜面はその通り忠実に歌い演奏することによって、物語が手にとるようにわかります。例えば強弱、テンポ、長さ、フレーズ感……そういったことを譜面から僕なりに解釈して、皆さんに伝えているんです。

ーー塩田さんはこれまでに複数のロイド=ウェバー作品で指揮をされてきていますが、ロイド=ウェバーの音楽にはどんな特徴があると思いますか？

よく「ロイド=ウェバーは現代のモーツァルトだ」と言われるのですが、僕としては「ロイド=ウェバーは現代のモーツァルトであり、ベルディ（※）でもある」と考えています。なぜかというと、音の跳躍や進行を譜面通り忠実に表現することで全てが表現されるから。
※オペラの『アイーダ』や『椿姫』の作曲家

違う例で言うと、プッチーニ（※）は音符だけではなく、譜面の中で「こう表現してほしい」という指示が書いてある。それらを音に加味して表現することで音楽が完成するタイプの作曲家なんです。一方、モーツァルトやベルディは音符そのものに音楽が含まれているので、忠実に表現すれば目をつぶっているだけでも情景描写が見えてくる。これを“音楽が芝居をしている”と言うのですが、特に『サンセット大通り』はロイド=ウェバー作品の中でもそれに筆頭する大作ですね。1981年『キャッツ』、1986年『オペラ座の怪人』、そして1993年に『サンセット大通り』が制作されているので、彼が円熟期に入った頃の素晴らしい作品のひとつだと言えるでしょう。
※オペラの『蝶々夫人』や『ラ・ボエーム』の作曲家

ーー『サンセット大通り』には本当にたくさんの名曲がありますが、その中でも特にお気に入りの曲を教えてください。

僕が大好きなのは「Overture」！　曲の冒頭で「The Greatest Star Of All」という、ノーマの屋敷の執事マックスのナンバーのメロディが流れるんです。普通だったら、ノーマやジョーのメロディで始まると思うじゃないですか。でも、ノーマの影のように振る舞うマックスのメロディをあえてここで使うことによって、作品における彼の役割を知ることができる。そのことが面白くて巧みで、鳥肌が立ってくるんです。

しかも、作品の冒頭に不安を掻き立てる印象的な重低音が奏でられるという点は、ロイド=ウェバーの初期の作品『ジーザス・クライスト・スーパースター』に似ています。彼は重低音が大好きなんです。ビオラやホルン、バス・トロンボーンといった重低音の楽器を重視している印象です。

ーー重低音もロイド=ウェバーの音楽の特徴の一つかもしれませんね。

そうですね。あと、物語の前半にジョーが登場すると作品の時代を反映させたようなジャズが流れるのですが、ここにもロイド=ウェバーの特徴が出ています。4ビートのジャズは1・2・3・4・1・2・3・4という拍子なのだけれど、ここでは1・2・3・4・1・2・3といった、いろんな拍子が含まれているんです。そのため、作品全体の重厚かつロマンティックな音楽とは一味違う、茶目っ気のあるリズムになっています。

一般的には、4/4拍子のような偶数の拍が我々にとっては自然で心地良い。けれどロイド=ウェバーは、4/8拍子＋3/8拍子=7/8拍子のように偶数の拍に奇数の拍を足して変拍子にすることがよくあるんです。

ーーあえて変拍子にすることで、どんな効果があるのでしょうか？

不安や恐怖、精神的に満たされないような感覚を醸し出しているのだと思います。変拍子の音楽と芝居が相まって、一層その効果が引き出されます。不安感や違和感を出すために、ロイド=ウェバーは不協和音も使っていてね……
（話しながら立ち上がり、近くにあったピアノを実際に弾いて不協和音を説明してくださる塩田さん！）
​こういう音で、不安感や違和感を出す手法も多く使われているんです。

ーー実際に歌う人にとっては、なかなか難しい音楽ということでしょうか？

歌う人にとっても演奏する人にとっても、大変なところはあると思います。我々は偶数の拍に慣れているので、奇数になると途端に難しく感じるんです。けれど、それがロイド=ウェバーの音楽の面白さであり、『サンセット大通り』の面白さなのかもしれないですね。

ーー今回の『サンセット大通り』では、ロイド=ウェバー本人の手によって加えられた変更点があると聞いています。具体的にどんな変更があったのでしょうか？

大きな変更は、まずオーケストラの楽器の編成が変わったということ。最近はどうしてもプレイヤーの人数が縮小傾向にあるのだけれど、今回は4人も増えて計17人になったんです。楽器で言うとホルン、バス・トロンボーン、ギター、エレキベースが増えました。アレンジも今まで以上に壮大で、一人ひとりの人物像や時代背景がオーケストラで表現され、より立体的なものになったと感じています。特にノーマを中心とした登場人物に対して、音楽でもっと深みを持たせようとしているな、と。他にも細かな修正点があったので、ロイド=ウェバーからの指示に基づいて演出の鈴木さんと一緒に作っていっています。

ーー今回作品が上演されるのは、初演時、再演時とも異なる東京国際フォーラムホールCですね。

そう！　ホールCはすごくサウンドが良い劇場なので楽しみです。しかも『サンセット大通り』の初演、再演では、オーケストラは舞台後方で演奏していたのですが、今回は舞台前方のオーケストラピットでの演奏になるというのも大きな違いになります。

ーー舞台後方での演奏と舞台前方での演奏は、具体的にどう違うのでしょうか？

音が明らかに変わります。後方での演奏の場合、演者と指揮者はモニターで確認し合います。するとどうしても約束事が多くなり、安全パイで合わせにかかるようになるんです。けれど舞台前方にオーケストラがいれば、お互いの呼吸を直に感じられるでしょう。舞台上の演者が生のオーケストラの音を聴くことで、その響きに声を乗せて歌うことができるんです。ですので、より深みのある音楽と芝居を皆様にお届けすることができると思います。

オーケストラピット自体を舞台美術の一環として観ていただいても面白いかもしれません。欧米の劇場は縦長にできていて、舞台とオーケストラピットを大きな壁画として楽しめるような見せ方をしています。ロイド=ウェバーはイギリスの作曲家ですし、舞台前方にオーケストラピットがあることで彼の想いもさらに伝わるのではないでしょうか。

ーー音楽監督として見たとき、Wキャストそれぞれの個性はどう感じますか？

例えばノーマの安蘭さんとめぐちゃんは、女性としてどう生きてきたか、これからどう生きていくのかということにおける強さや弱さ、劣等感やプライド感が少しずつ違ってきます。そもそも、彼女たちが実生活で生きてきた経験が全く違う。そのことが顕著に出ていると思います。ジョーの二人にも同じことが言えます。元基くんは再演だからこそ前にやったことを構築しながら変えていく部分もあるだろうし、優也くんは初参加でまっさらな中でスタートするので、カンパニーに新しい息吹が入ってくる。

具体的にどこがどう違うかを言ってしまうと面白くないので言いませんが、一人ひとり全然違います。芝居における目の使い方、体の動き、曲の間奏をどう使うかといったことは、声を発さなくてもその動きで違いがわかるんです。動きが変わると役の心情も変わるもの。もしそれぞれのWキャストを観て動きの違いに気づいたら、その人が役としてどう心情を捉えているのかを感じてもらいたいですね。

ーー日本版初演から再演、再々演と作品に関わり続けてきた塩田さんですが、2020年の『サンセット大通り』はどんな作品になると思いますか？

取材・文・撮影（一部） = 松村 蘭（らんねえ）