アンセットシス・山中惇史×高橋優介「本当に演奏したかった3作品」で挑む、2台ピアノの新境地【オフィシャルインタビュー到着】

12月2日（水）、渋谷区文化総合センター大和田 さくらホールにて開催される『アンセットシス ピアノデュオ・コンサート2026 ～2台のピアノが彩る、管弦楽の世界～』を前に、山中惇史と高橋優介のオフィシャルインタビューが到着した。

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2台ピアノによる圧倒的なスケールと、緻密なアンサンブルで独自の音楽世界を切り拓くピアノデュオ、アンセットシス（un sept six）。12月2日（水）に開催される『～2台のピアノが彩る、管弦楽の世界～』では、モーツァルトの交響曲第29番、ドビュッシー（カプレ編曲）の『管弦楽のための「映像」』より《イベリア》、ストラヴィンスキーの《春の祭典》という、時代も作風も異なる3作品に挑む。いずれもアンセットシスとして初披露となる、意欲的なプログラムだ。

今回の選曲に込めた思い、それぞれの作品の魅力、そして長年にわたって音楽をともにしてきた二人だからこそ実現できる2台ピアノの可能性について、山中惇史と高橋優介に話を伺った。

「オーケストラの定期演奏会のようなプログラムを組みたかった」

――今回は3作品すべてがアンセットシスとして初披露となります。まず、今回のプログラム全体のコンセプトを教えてください。

山中： 僕たちのコンサートは、普段は大きな作品を1曲据え、その前後に小品を組み合わせる構成が多いのですが、今回はオーケストラの定期演奏会のような複数の大作を並べた重厚なプログラムにしたいと考えました。

必ずしも親しみやすい作品ばかりではないかもしれませんが、今回は二人で話し合い、「今、アンセットシスとして本当に向き合いたい、演奏したい」と心から思える大作を3つ厳選しました。音楽そのものが持つエネルギーやスケール感を、妥協なく真っ直ぐお届けしたいと思っています。

――モーツァルト、ドビュッシー、ストラヴィンスキーという、音楽史をたどるような選曲にも感じられます。

高橋： もちろん、そうした音楽史の流れを意識した意図もあります。僕と山中さんは、それぞれソロの活動だけでなく、ヴァイオリンやサクソフォン、声楽などさまざまな楽器の演奏家と共演を重ねていて、そうした多角的な経験が、自分たちの音楽のスタイルや表現の幅を大きく広げてくれていると感じています。

古典には古典としての格式や歴史があって、それを大切に演奏したい。一方で、ドビュッシーやストラヴィンスキーのような作品では、緻密なスコアリーディングや多彩なアンサンブル経験が生きてきます。

ある一つの時代やスタイルに限定せず、幅広い音楽的視野を持っていることこそが僕たちの強みです。今回のプログラムは、アンセットシスの多面性を存分に発揮できる3作品になっています。

モーツァルトの爽やかな風、ドビュッシーが描くスペインの情景

――最初に演奏されるモーツァルトの交響曲第29番は、どのような作品でしょうか。

山中： 僕が個人的にも大好きなモーツァルトの作品の一つです。爽やかな風が吹き抜けるような、明るくて色彩豊かな曲で、コンサートの幕開けにぴったりです。

今回はオーケストラの定期演奏会のような構成を意識したため、ピアノ作品ではなく、交響曲を選びました。第29番は構成や長さのバランスも良く、プログラムの最後にお届けする《春の祭典》とのコントラストも鮮やかになると考えています。

――オーケストラではなく、2台ピアノで演奏するからこその面白さはありますか？

山中： 例えば、モーツァルトのピアノソナタなどでは、同じ部分を繰り返す際に装飾を加えたり、表情にニュアンスをつけたりしますよね。数十人規模のオーケストラでは全体を揃える必要があり、瞬時の自発的な変化をつけるのは容易ではありません。

しかし2台ピアノであれば、二人の阿吽の呼吸で、繰り返しの部分に即興的かつ多彩なニュアンスを織り交ぜることができます。濃密なコミュニケーションが図れるからこそ生まれる、2台ピアノならではの息遣いを体感していただけるはずです。

――続くドビュッシーの《イベリア》についてはいかがでしょうか。

高橋： 非常に鮮烈な異国情緒を持つ作品です。スペイン特有のリズムがある一方で、どこか懐かしい田舎の風景を思わせるような、のどかな旋律も織り込まれています。

そして、全3曲の情景描写が実に巧みです。第1曲「通りから道から」、第2曲「夜の香り」、第3曲「祭りの日の朝」と、タイトルを聞くだけでも音楽の色彩豊かな情景が浮かび上がってきます。特に後半は祝祭的な盛り上がりを見せ、生命力と幸福感に満ち溢れています。

満を持して挑む《春の祭典》。「エベレストに登るような気持ち」

――そして今回の大きな聴きどころとなるのが、ストラヴィンスキーの《春の祭典》ですね。

山中： 《春の祭典》は、二人で結成当初から「いつか必ず演奏しよう」と語り合ってきた特別な作品です。非常に高い技巧と集中力を要する大作だからこそ、お互いのキャリアやアンサンブルが熟した今こそが挑むべきタイミングだと確信し、満を持してプログラムに入れました。

2台ピアノや連弾のレパートリーの中でも、紛れもなく最高峰に位置する楽曲です。まさにエベレストに登るような覚悟で挑みます。

複雑かつ原始的なリズムの面白さ、そして大地から煮えたぎるマグマのように湧き上がる強烈なエネルギーは唯一無二です。前半の2作品との鮮やかなコントラストも含め、濃密な体験をお届けできると思います。

――ストラヴィンスキーとドビュッシーには、音楽史的なつながりも？

山中： ええ、ドビュッシーとストラヴィンスキーはお互いを深く尊敬し合っていた間柄です。今回はストラヴィンスキー自身によるピアノ連弾版に基づいて演奏します。初期にこの作品が連弾で演奏された際には、ドビュッシーがセコンド（低音パート）を弾いたという有名な歴史的エピソードもあります。作風はまったく違いますが、音楽的には深いつながりがある。今回、この二人の作品を並べることで、そうした音楽史的な関係や時代の息遣いも立体的に感じていただけるはずです。

高橋： 僕は《春の祭典》をピアノで弾いていると、同時代のフランス音楽との共通点も強く実感します。ドビュッシーもストラヴィンスキーも、同じ時代の空気を共有していた作曲家ですから、並べて聴いていただくと、そうした響きのつながりやコントラストも楽しんでいただけるのではないでしょうか。

山中：響きのつながりという意味では、僕たちが以前リリースしたジョン・ウィリアムズのアルバム制作とも深くリンクしています。ジョン・ウィリアムズの映画音楽が持つダイナミックな迫力、緻密なオーケストレーション、変拍子のグルーヴ感には、明らかにストラヴィンスキーが切り拓いた手法の影響が息づいています。あのアルバムの録音を通じて体得した映画音楽的なドラマ性やスケール感の表現力は、今回の《春の祭典》を読み解き、ピアノ2台で表現する上でも大きな糧になっています。

オーケストラ作品を2台ピアノで描く意義と醍醐味

――お二人にとって、オーケストラのために書かれた作品を2台ピアノで演奏することの魅力とは？

高橋：演奏する僕たちにとって最大の醍醐味は、「オーケストラ作品を自らの手で演奏し、スコアを構造から深く体得できる」という点にあります。

モーツァルトの交響曲第29番にも《春の祭典》にも、原曲にはピアノが登場しません。通常であればピアニストが生涯演奏することのない傑作に、自らの楽器で挑めるのは何より贅沢で貴重な経験です。

もちろん、ピアノは打楽器的な性質も持ち、発音した瞬間から減衰していくため、持続音や多彩な管弦楽器の音色変化を表現するには独特の難しさと追求が求められます。しかし、タッチやペダリングの工夫によって音が空間に伸び続けるように聴かせたり、音の遠近感で立体的な音響を作ったりと、ピアノならではの表現を突き詰めるプロセスは非常に刺激的です。

山中： 僕も同感です。ピアニストとしてソロの活動だけをしていては直接演奏することのできない傑作と、2台ピアノという形で向き合えることが、何より素晴らしいと思っています。

作曲家はピアノ曲を書くときにも、決してピアノの響きだけで思考していたわけではなく、オーケストラや声楽など、さまざまな音楽の経験が作品に反映されているはずです。だからこそ、オーケストラスコアを緻密に読み解き、各声部がどのように重なって響き合っているのかを学ぶ経験は、僕たちそれぞれのソロ演奏や音楽活動の根幹へと豊かに還元されています。

「言葉にしなくても伝わる」二人だからこそのアンサンブル

――お二人は長年一緒に演奏されていますが、音楽を作るうえで大切にしていることは何でしょうか。

山中： 高橋君とは、言葉にしなくても分かる部分が本当に多いんです。長く一緒に演奏してきたからこそ、表層的なすり合わせに時間を取られず、初手から音楽の本質的な探求に没頭できます。

お互いに外部の現場で多彩な経験を積み、久しぶりにアンセットシスとして音を重ねると、「表現の引き出しが増えたな」「音楽の彫りが一段と深くなったな」と強く刺激を受け合えます。そうした個々の成長を持ち寄り、互いに高め合えることが、デュオとしての大きな原動力になっています。

――指揮者のいない2台ピアノでは、実際にどのようにタイミングを合わせているのでしょうか。どちらかがリードすることもあるのですか？

山中： 音楽的な解釈や構成については、完全に対等な立場でディスカッションを重ねています。どちらかが一方的に指示を出すことはありません。ただ、実際の演奏でタイミングを合わせるときには、僕が合図を出して、高橋君がそれを受け取ることが多いですね。高橋君は本当に合図をキャッチするのが上手なんです（笑）。そうした長年の阿吽の呼吸や、有機的な一体感をぜひ感じていただきたいですね。

劇的な対比が生み出す、圧倒的な音楽体験を会場で

――最後に、今回のコンサートをどのように楽しんでほしいか、お客様へのメッセージをお願いします。

高橋：僕は《春の祭典》という作品を、圧倒的なエネルギーの爆発であると同時に、非常に胸に迫る哀切を帯びたドラマだと捉えています。

バレエの物語では、一人の人間が生贄として選ばれ、死ぬまで踊り続けることになります。音楽としては非常に迫力がありますが、単純に「迫力があってすごかった」という興奮だけで片付けられる作品ではありません。

演奏会というのは、必ずしも耳当たりの良い楽しさだけを持ち帰る場ではなく、聴き終えた後に心揺さぶられ、何か深く考えさせられるような余韻があっても良いはずです。

もし予習をしてくださる方がいれば、ぜひ《春の祭典》のバレエも観ていただきたいですね。僕たちはニジンスキーの振付による作品を観ていますが、もちろん、どの作品でもいいと思います。大切なのは、音楽を聴いて自分自身が何を感じるか。その感覚を信じて、会場に来ていただけたら嬉しいです。

山中： 変拍子の嵐の中で生贄が息絶えるまでを描いた《春の祭典》は、音楽史における最高傑作であると同時に、人間の根源的な業や厳しさを突きつけてくる世界です。

高橋： 一方で、前半にお届けするドビュッシーの《イベリア》は、祝祭の喜びに満ちた芳醇な音楽です。だからこそ、前半と後半で全く異なる精神世界を体感していただけるはずですし、その鮮烈な対比を全身で味わっていただきたいですね。

山中： そして何より、コンサートホールの空間で、2台のフルコンサートグランドピアノが生み出す生のアコースティックな響きと振動を浴びていただきたいです。

僕自身、ホールでピアノの豊かな響きに包まれるたびに、「ピアノという楽器はなんと美しく、無限の可能性を秘めているのだろう」と心を打たれます。この特別な一夜を通じて、ピアノという楽器の真の魅力と管弦楽のダイナミズムを、一人でも多くのお客様にお届けできれば幸いです。