塩谷哲、ジャンルの壁を越えて響き合う音のコミュニケーション「音楽は会話。一流の演奏家たちに共通するのは“愛”だった」

「音楽は会話。一瞬一秒を楽しんでいます」――そう語るのは、ピアニスト、作曲家、編曲家、プロデューサーとして多彩な顔を持つ塩谷哲。これまでもジャンルの垣根を軽やかに越え、多様なミュージシャンとの共演やユニット結成を重ねてきた。この秋だけでも、ラテン、フラメンコギター、津軽三味線、ボサノヴァと、その活動はまさに縦横無尽。音楽の世界を自由に奏で歩く彼に、“音楽を楽しむ”ためのエッセンスを聞いた。

音楽とともに歩んできた道、ラテンとの出会いが教えてくれたこと

ーー東京藝術大学在学中に、オルケスタ・デ・ラ・ルス（以下 デ・ラ・ルス）のピアニストとしてデビューされました。クラシックを学びながら、学外ではラテン音楽。めずらしい経歴ですね。

子どもの頃から音楽が好きで、父が家で聴いているジャズやクラシックに始まり、いろんなタイプの音楽を好きになりました。それ自体は素敵なことのはずなのに、進路を考える年齢になった時、悩みに変わってしまいました。NYにジャズ留学に行くとか、クラシックのピアニストを目指すとか、どれかひとつには絞れない。全部が中途半端に思えてコンプレックスになっちゃったんです。

そんな時、作曲法という学問があると知って「えっ？それって学べるの？」と。その頃すでにもう曲を作り始めてはいましたが、理論や技法があるとは知らなかった。「学びたい！」の一心で作曲科に進みました。

19歳の時にジャズセッションで、デ・ラ・ルスの大儀見元さんと出会いました。元さんとのセッションはすごく衝撃的で「この人ともっと一緒に演奏したい！」と強烈に思いましたね。まさに運命の出会いです。サルサは知らなかったけど、元さんに誘われたのがうれしくて、そのままラテンの世界に……。そんなわけで、好きな音楽は増える一方です（笑）。

ーーデ・ラ・ルスでラテン音楽を知った人は多いと思います。9月に出演された大阪公演は大盛況でしたね。

在籍していたのは20代の10年ほどで、メンバーも当時とは違うのにやっぱり心地いい。お客さんはいい顔で踊ってくれるし、僕らもどんどん楽しくなってくる。客席からの「おかえり！」の声もうれしかったですね。ずっと演奏を続けていたい！って思いました。公演後のサイン会で「楽しかったよ！」「熱かったね！」と声をくださるお客さんも多くて、よかったなと思いました。大阪とラテン音楽は相性がいいと思います。

ーーラテン音楽の魅力とは、どんなところでしょう。

まずはリズム。クラーベという基本のリズムです。クラーベとは「鍵」という意味で、まさにラテンの鍵となるものです。曲を知らなくても体を動かしたくなる。思わずムズムズしてくる。ラテンならではのリズムです。

そしてほかの音楽との大きな違いは、演奏する全員がクラーベを持っているところ。ラテン以外の音楽は、リズムセクションといわれる人たちがリズムを作って、ほかの楽器はそこに乗っかっていきます。ですが、ラテンは誰かが主導するのではなく、パーカッションもベースもトランペットもピアノも、全員が音楽のエンジンです。そこが最大の特長。

魅力という点でもう一つ大事なのは、“ズレ”ですね。みんなが同じリズムで演奏するけれど、それぞれがもつグルーヴは違うので、そのうち“ズレ”が生じてきます。それが、うねりや幅となってバンドの個性、グルーヴになる。これがラテンバンドのおもしろいところです。

ーー魅力が“ズレ”とは…。

アンサンブルの結束力と結集力がとにかくそのまま出ちゃう。お客さんが「あのバンドは踊れるね」とか「あのバンドはノリがよくない」とか感じているのも、実は演奏技術の差ではなくて、バンドごとのグルーヴの違い。おもしろいでしょう？

デ・ラ・ルスはとにかくサルサが好きで、自分たちの音楽を情熱をもって作っていました。次第に海外でも認められるようになって、北米ツアー、南米ツアー、ヨーロッパツアー……。どこへ行っても歓迎されて評価されて、お客さんがいっぱい来てくれました。

それはうれしかったけれど、前座で演奏している地元のバンドの方が、僕からしたらずっと上手い。「本場のバンドには敵わない」とどこかで感じてもいました。言葉にも壁があるように、クラーベには日本人にとってリズムの壁みたいなものがあって、始めたばかりの頃、僕はよくわからなかった。生まれた時からクラーベを感じてきた人たちに敵うわけがないなと。

ーー自信がもてたのはいつですか？

サルサは南米発祥の音楽で、貧富の差が激しい地域なんです。音楽が好きでもコンサートを買えない人たちが大勢いると聞いて、ストリートでフリーコンサートをしました。「誰でも聴きに来て！」って。そうしたらお客さんがたくさん集まって、ものすごく楽しそうに踊ってくれて、大盛り上がり。どうして僕らの曲を知っているの？と聞いたら「ラジオで聴いてる！」って。感激で胸がいっぱいになりましたね……。

ストリートで受け入れてもらったことが心からうれしくて、僕はその日、日本人だとか敵うとか敵わないとか、音楽ってそんなことじゃないんだと思い知った。なぜ、日本のバンドを受け入れてくれたのか。答えはひとつ。「サルサをやりたい！」という僕たちの情熱が本物だったから。それが聴く人に伝わっていたんです。

ーーすごい答えに辿り着いた感じですね。

そうですね。自分が大切にしたい音楽がどんなものか、はっきりしました。ミュージシャンは、商業的なシステムの中にいないとお金を得られないし、生活ができない。だからそのシステムの中で音楽をやっています。

でも、コンサートに行くお金がないけれど音楽が好きな人だっている。彼らが貧乏なのは社会のせいです。社会は変えられないけれど、音楽は人の心を幸せにすることができる。自分も幸せになれる。ストリートで感じたことを軸として音楽を続けていくことが、僕のミュージシャンとしての幸せだなと思っています。

誰かと心を通わせ、一緒に音楽を作ることの喜び

ーー塩谷さんの音楽にジャンルの壁が存在しない理由がわかった気がします。

大事にしているのは、自分がいいなと思うような音楽を作ること。「どの人と一緒に作ろうか」ということが肝心なのであって、ジャンルの棲み分けはないですね。ラテンもジャズもクラシックも、どの世界も素晴らしい。そして素晴らしいアーティストがたくさんいますから。

沖（フラメンコギター奏者：沖仁）さん、上妻（津軽三味線演奏家：上妻宏光）さん、竹善（シンガーソングライター：佐藤竹善）さん。みんな音楽がすばらしいと感じたから「一緒にやりたいな」と思った。相手もきっとそう。「ソルトいいね、一緒にやろうよ」って。音楽を作る上で、心は自然につながると思っています。

ーー12月は八神純子さんと大阪で共演されます。八神さんはどんな方ですか？

存在そのものが美しく艶やか、そして人として大きな方です。八神さんの楽曲『TERRA -here we will stay』の創作エピソードを聞いたのですが、グランドキャニオンで、地球の何十億年の歴史といわれる地層を見て、「「人間は何やってんだ」と思ったんだそうです。そして「人間目線じゃダメだ、地球目線でいかなくちゃ」という気持ちが生まれたらしい。彼女の音楽には、そういう感性の豊かさが表れていますね。公演でも、八神さんのセンスを感じていただけると思います。

ーー海外ミュージシャンとの共演についてもお聞きしたいのですが、スティーブ・ガッドさんとの音楽はいかがでしたか。ジャンルを問わず、多くのミュージシャンに切望され続ける “ドラムの神様” ですね。

中学、高校時代の僕に教えてあげたかったですね。「将来、君はスティーブ・ガッドと演奏できるよ！」って。彼からは多くのことを学んだし、大切にしたい思い出もたくさんありますけれど、一番は彼の持っている「愛」がとてつもなく大きいということです。音楽に対しても、人間に対しても。それはすなわち、音楽そのものへのリスペクトであり、楽曲へのリスペクト。そこに「我」はないんです。個々の音楽ではなく、一緒にひとつの音楽を生み出す感覚。

わかってはいてもやっぱり本能でしょうね、共演している最中、一瞬「僕の音を聴いて！」って演奏をしちゃったんです。そうしたら「ソルトの音楽は大好きだよ、でも今はここで僕らの音楽を作ろう」って。全部聴いてるし、全部わかっていた。その後はちゃんと彼のモードで演奏できたので、最後はハグして「君は優秀だね」って。ちゃんと聴いていてくれた。見守られている感じがしました。

ーー愛ですね……。

小曽根（ジャズピアニスト：小曽根真）さんもそう、エディ・ゴメスもそう、一流の人に共通するのは「愛」ですね。誰が上手いとかフレーズがカッコいいとか、そういう次元ではない。音楽を通して、「あなたはどう生きていますか？」って問われている気がします。

みんな最初からオープンで、とにかく相手の音楽を聴く。「あなたを知りたい、だから心を開いてよ。さぁどんな音楽を作ろうか？」と投げかけてきてくれる。「僕はこんな感じです。あなたは？」なんてね。

一緒に音楽を作るってそういうことだと思います。僕はその一瞬一秒を大切に思います。聴いてくださる方も同じです。ホールという同じ空間で、一緒に音楽を楽しみましょう。

取材・文＝たなかなつこ　撮影＝福家信哉